Muotokuvat
Piirrettyjä 1500-luvun muotokuvia - esimerkiksi Pisanellon tai Jan van Eyckin - voidaan pitää valmistuneina kuvateoksina niiden keskittymisessä, toteuttamisessa ja tilan jakamisessa. Selkeä, herkästi rajattu esitys seuraa pinnan kaikkia yksityiskohtia ja pyrkii realismiin. Yksityiskohtaisesti rikas profiili on edullinen; muistuttaen helpotusta, se muistuttaa mitalia. Seuraavaksi puhtaan profiilin näkyvyyden vuoksi kolmen vuosineljänneksen profiili, jolla oli tilallisempi vaikutus, tuli esiin, jotta se pysyisi vuosisatojen ajan klassisena muotokuvana.
Läheinen suhde maalaukseen koskee käytännössä kaikkia 1500-luvun muotokuvapiirroksia. Jopa niin voimakas teos kuin Dürerin piirustus keisari Maximilianista syntyi muotokuvan tutkimuksena maalaukselle. Samanaikaisesti jotkut Dürerin muotokuvapiirustuksista ilmentävät kuitenkin selvästi taiteellisen yrityksen viimeistä vaihetta, ambivalenssia, jota voidaan havaita myös muissa 1500-luvun muotokuvataiteilijoissa. Jean ja François Clouet'n ranskalaiset ja nuoremman Hans Holbeinin teokset Sveitsissä ja vieläkin selvemmin Englannissa samalla vuosisadalla antoivat muotokuvien piirtämiselle itsenäisyyden, varsinkin kun piirustus valmistui eri väreillä liidulla. Pehmeämmän väliaineen, muotoilun, joka on tarkkuudeltaan kaiken kaikkiaan vähemmän itsenäinen, valinta ja hienovaraisempi sisustuspiirustus tasoelementeillä antaa näille piirustuksille elävämmän, henkilökohtaisemman luonteen ja korostaa jälleen niiden läheisyyttä maalaukseen.
Monivärisellä liidutekniikalla ja pastellilla muotokuvapiirustus säilytti itsenäisyytensä 1800-luvulle. 1700-luvulla Quentin de La Tour, François Boucher ja Jean-Baptiste Chardin - kaikki nämä ranskalaiset taiteilijat - kuuluivat sen pääharjoittajiin, ja jopa 1800-luvulla asunut Ingres käytti silti tekniikkaansa. Pastellimaalauksessa muotokuva ylitti kaikki muut aiheet.
Posein, tyypin ja toteutuksen valinnassa muotokuvamaalaukseen, kuten muihinkin taidemuotoihin, vaikuttavat aikakauden yleiset tyylit. Siten myöhäisen barokin ja rokokon äärimmäistä kuvallista asennetta seurasi uusklassismin aikana selkeämpi käsitys, joka suositteli yksivärisiä tekniikoita ja kasvatti myös siluetin erityismuotoa, profiilimuotopiirrosta, jonka alue oli täytetty mustalla. 1800-luvun alkupuolen muotokuvapiirrosten tekijät, jotka olivat selvästi velkaa 1500-luvun edeltäjilleen, pyrkivät jälleen tarkkaan yksityiskohtien ja plastisten tehosteiden välittämiseen huolellisimmin valituilla graafisilla välineillä: ohut, kova lyijykynä oli heidän suosikki instrumentti, ja myös hopeapiste löydettiin uudelleen romantiikan toimesta.
Enemmän kiinnostuneita muotokuvien psykologisista näkökohdista, 1800- ja 1900-luvun lopun piirtäjät pitivät parempana pehmeämpiä värikynöitä, jotka seuraavat helposti kaikkia taiteellisia impulsseja. Ominaispiirteiden tarttuminen ja riittävä lentokäsittely painottivat niitä raskaammin kuin realistinen yksityiskohta. Tunnelmalliset elementit, älyllinen jännitys ja henkilökohtainen sitoutuminen ovat tyypillisiä piirteitä nykyaikaisessa muotokuvassa ja siten myös modernissa muotokuvan piirtämisessä. Taide dokumentoi edelleen taiteilijan henkilökohtaista käsityötä eri tekniikoiden piirteiden ulkopuolella.
Maisemat
Jo 1500-luvulla myös maisemapiirustukset saavuttivat riittävän autonomian, joten on vaikea erottaa tietyn maalauksen taustalla olevaa valmiin tutkimuksen ja itsenäisen, piirretyn maiseman välillä. Jo Jacopo Bellinin 1500-luvun luonnoksissa (säilytettynä albumeissa Britannian museossa ja Louvressa) on läheinen yhteys luonnontutkimuksen ja kuvarakenteen välillä; Titianin studiossa 1500-luvulla maisemapiirrokset on pitänyt näyttää ehdotuksina kuvataustaan.
Mutta Dürer kehitti maisemaa muistettuna kuvana ja itsenäisenä taideteoksena, lyhyesti sanottuna, omaa teemaansa viittamatta muihin teoksiin. Hänen vesivärit ennen kaikkea, mutta myös hänen kahden italialaisen matkansa, Nürnbergin ympäristön ja Alankomaiden-matkan piirustukset edustavat varhaisimpia puhtaita maisemapiirroksia. Vuosisatojen oli kuluttava, ennen kuin tällaiset piirustukset esiintyivät uudelleen tässä absoluuttisessa formulaatiossa.
Maisemaelementit olivat erittäin merkittäviä myös 1500-luvun saksalaisista ja hollantilaisista piirustuksista ja kuvista. Kuviollinen esitys, joka on edelleen olemassa useimmissa tapauksissa, on muodollisesti melko integroitunut romanttiseen metsä- ja niittymaisemaan, etenkin Tonavan koulun teoksissa - esimerkiksi Albrecht Altdorfer ja Wolf Huber. Usein kuin muissa kouluissa, täältä löytyy huolellisesti toteutettuja luonnonäkymiä. Alankomaissa Pieter Bruegel piirsi topografisia näkymiä sekä vapaita maisemakompositsioita, molemmissa tapauksissa itsenäisinä teoksina.
1500-luvulla luontutkimus ja siitä kasvanut maisemapiirros saavuttivat uuden korkeuden. Accademia degli Incamminati (esimerkiksi Domenichinon) maisemapiirustukset yhdistivät klassisen ja mytologisen teeman sankarimaisemaan. Roomassa asuva ranskalainen Claude Lorrain työskenteli usein avoimen taivaan alla ja loi maisemapiirroksia, joiden ilmapiiri oli tähän mennessä saavuttamatta. Tämän tyyppinen viljelty ja idealisoitu maisema, jonka ovat kuvanneet myös Poussin ja muut Roomassa asuvat pohjoiset (heitä kutsuttiin hollantilaisiksi romanisteiksi ottaen huomioon tosiasian, että Roomassa asui niin paljon alankomaalaisia taiteilijoita, heidän piirustukset Italiasta saavuttivat lähes eetterisen laadun), on päinvastoin kuin epäheroottinen, luonnonläheinen maisemakäsitys, jonka ensisijaisesti hoitavat hollantilaiset esittäessään kotimaansa maisemaa. Kaikki maisemamaalarit - heidän maisemamaalauksensa erikoisuus, joka oli vahvasti edustettuna taiteellisesti erikoistuneissa maissa - loivat myös itsenäisiä maisemapiirroksia (esimerkiksi Jan van Goyen ja Jacob van Ruisdael sekä hänen setänsä ja serkkunsa) Rembrandtin ollessa jälleen erityisasemassa.: kaapaten alueen ominaispiirteet usein vain muutamalla lyönnillä, hän paransi niitä siten, että ne saavat monumentaalisen ilmaisuvoiman pienimmässäkin muodossa. 1800-luvun Italiassa topografisesti uskollinen maisemapiirustus tuli tärkeäksi Vedutistien seurauksena. Näkemysten välittäjät muodostivat ryhmän itse (joukossa Giambattista Piranesi ja Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) ja työskentelivät usein sellaisilla optisilla apuvälineillä kuin ristikkokohta ja kameran hämärtämä. Jotkut ranskalaiset taiteilijat, muun muassa Hubert Robert, tekivät menestyksekkäästi maisemapiirroksia suuremmasta taiteellisesta vapaudesta sekä kuvitteelliset maisemat; Kuvallisesti ja ilmakehään nämä teemat saavuttivat toisen kukinnan sellaisten englantilaisten taiteilijoiden kuin Turnerin ja Alexander Cozensin, joiden vaikutus ulottuu hyvin 1900-luvulle, harjapiirretyissä maisemissa.
Koska 18-luvun uusklassismin ja vielä enemmän romantiikan suunnittelijat olivat erittäin kiinnostuneita rajaamisesta, ne tarkkailivat luontoa topografisella tarkkuudella. Uudella ”löytöllä” romanttisesti ja sankarillisesti liioiteltu alppimaailma sai nyt paikkansa taiteilijan mielessä arcadelaisen näkökulman rinnalla Italian maisemaan.
Maisemapiirrokset ja vielä enemmän vesivärit muodostivat tyhjentymättömän teeman 1800-luvulla. Ranskalainen taiteilija Jean-Baptiste-Camille Corot ja vuosisadan loppua kohti Cézanne ja van Gogh olivat maisemapiirrosten pääsisällöntekijöitä. Maisemat olivat osa useiden 1900-luvun valmistelijoiden työtä, mutta suuren osan vuosisataa tyylilaji sellaisenaan sijoittui toisiinsa yleisiin muotoon liittyviin ongelmiin, joissa aihetta käsiteltiin vain lähtökohtana. 1900-luvun viimeisen 30 vuoden aikana suuri joukko amerikkalaisia taiteilijoita palasi kuitenkin edustamiseensa ja sijoitti siten uudelleen maisemaan aiheena.
Kuvakoostumukset ja asetelmat
Verrattuna itsenäisen piirtämisen pääteemiin - muotokuviin ja maisemaan - kaikki muut ovat vähemmän tärkeitä. Kuvakoostumukset riippuvat suuresti aikansa maalauksesta ja liittyvät usein suoraan siihen. Oli varmasti taiteilijoita, jotka käsittelivat piirustuksissaan monumentaalimaalauksen teemoja, kuten 1600-luvun kaivertaja ja etsijä Raymond de La Fage; yleensä kuvasompositsioonin taiteellinen päämäärä on kuitenkin kuva, piirustuksen ollessa hyödyllinen apuväline ja tapa. Genre-kohtaukset, jotka olivat erityisen suosittuja 1700-luvun matalissa maissa (kuten tekivät esimerkiksi Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade ja Jan Steen) sekä 1800-luvun Ranskassa ja Englannissa, saavuttivat itsenäisen aseman. Myös 1800-luvulla oli piirroksia, jotka kertoivat arjen tarinoista; usein luonteeltaan kuvaavia, niitä voidaan kutsua ”pieniksi kuviksi” paitsi usein monivärisessä muodossa myös taiteellisessa toteutuksessa.
Asetelmat voivat myös väittää olevansa itsenäisiä piirustuksia, erityisesti kukkaesitykset, kuten hollantilaisen taiteilijan Jan van Huysumin piirustukset, jotka ovat olleet suosittuja aina 1600-luvulta lähtien. Tässäkin on totta, että hyvin suunniteltu järjestely muuttaa välittömän luontotutkimuksen kuvakoostumukseksi. Joissakin näistä sävellyksistä samankaltaisuus maalauksen kanssa on erittäin vahva; Esimerkiksi 1800- ja 1900-luvun taiteilijan Odilon Redonin pastellit tai 1900-luvun saksalaisen ekspressionistin Emil Nolden teokset ylittävät kromaattisella voimakkuudellaan rajapinnan piirustuksen ja maalauksen välillä. Asetelmissa, kuten maisemissa, itsenäiset muotoperiaatteet ovat nykytaiteilijoille tärkeämpiä kuin tosiasiallinen lausunto.
Ihastuttavat ja ei-edustavat piirustukset
Kuvitteellisten ja mielikuvituksellisten teemojen piirustukset ovat riippumattomampia ulkoisesta todellisuudesta. Unelmakuvaukset, metamorfoosit ja todellisuuden eri tasojen ja alueiden kiertyminen ovat olleet perinteisiä teemoja. Hieronymus Boschin 1500-luvun lopun lopun fantasiateokset ovat varhainen esimerkki. On olemassa allegoivia 1500-luvun flaamilaisen taiteilijan Pieter Bruegelin talonpoikaisnäkymiä ja 1700-luvun ranskalaisen taiteilijan Jacques Callotin karnevaalijyvätyksiä. Muita, joiden töitä havainnollistetaan siitä, mitä ulkomaiseman ja muotokuvien piirtämisellä voidaan tehdä: 1800-luvun italialainen kaivertaja Giambattista Piranesi, 18-luvun englantilais-sveitsiläinen taiteilija Henry Fuseli, 1800-luvun englantilainen kuvittaja Walter Crane, 1800-luvun ranskalainen Symbolistitaiteilija Gustave Moreau ja 1900-luvun surrealistit.
Ei-edustava taide vähentämällä piirtämisen peruselementit - kohta, viiva, taso - puhtaaseen muotoon, tarjosi uusia haasteita. Kun luovutaan assosiatiivisista ruumiillisista ja alueellisista suhteista, piirustuksen ulottuvuuksien ja erilaisten väliaineiden rakenteiden avautuminen saa uuden merkityksen. Radan graafisia ominaisuuksia tasossa sekä merkitsemättömällä alueella oli korostettu jo aikaisempina aikoina - esimerkiksi Giuseppe Arcimboldon grotteschissä 1600-luvulla (ihmeelliset tai fantastiset esitykset ihmis- ja eläinmuodoista, jotka yhdistetään usein toisiinsa ja kietoutuneiksi lehtien, kukien, hedelmien tai vastaavien esitysten kanssa ja kalligrafisissa harjoituksissa, kuten morekeja (voimakkaasti tyylitelty lineaarinen koriste, joka perustuu lehtiin ja kukkiin) - mutta enimmäkseen painatus- tai kaiverrusmalleina erilaisimpiin koristetehtäviin (sisustus, huonekalut, astiat, korut, aseet ja vastaavat).
