Koreografia tanssikoostumus

Koreografia, tanssien luomis- ja sovitustaide. Sana on johdettu kreikasta "tanssi" ja "kirjoita". 17–18-luvulla se tarkoitti todellakin tanssien kirjallista kirjaa. 1800- ja 1900-luvuilla merkitys kuitenkin muuttui epätarkkaan mutta yleismaailmallisesti, kun taas kirjallinen levy tuli tunnetuksi tanssimerkinnäksi.

tanssi: Koreografia

Koreografia on taidetta tanssien tekemisestä, liikkeen keräämisestä ja järjestämisestä järjestykseen ja malliin. Viimeisin

Seuraava on lyhyt koreografian käsittely. Katso täysi hoito, katso tanssi: Koreografia; tanssi, länsimainen.

Tanssin sävellys on luova samalla tavalla kuin musiikin sävellys. Tanssin merkitseminen on kuitenkin analyysi- ja raportointityö, jonka yleensä muut ihmiset kuin koreografi suorittavat kielellä tai merkeillä, joita luoja ei ehkä ymmärrä.

Renessanssin aikana italialaiset tanssimestarit, kuten Domenico da Piacenza, opettivat sosiaalisia tansseja oikeudessa ja todennäköisesti alkoivat keksiä uusia tai järjestää muunnelmia tunnetuista tansseista yhdistäen siten luovan toiminnan opetusharjoitteluunsa. Lavastettu baletti käytti samoja vaiheita ja liikkeitä kuin sosiaalinen tanssi ja erottui siitä pääosin lattiajärjestelyissä ja visuaalisessa projektiossa.

1500-luvulla Ranskan tuomioistuimen tanssimestarit järjestivät sosiaalisten tanssiensa pohjakuviot sekä teatteri- ja taiteelliset yhteydet aloittaakseen koreografisen muodon, baletti de courin. Seuraavien kahden vuosisadan aikana kuilu sosiaalisen tanssin ja teatteritanssin välillä kasvoi, kunnes baletti 1800-luvulla saavutti periaatteessa itsenäisen sanaston.

Tämän aikakauden balettimestari, koreografi, oli tanssin järjestäjä teatteritaiteena. 1800-luvun lopun koreografisen taiteen jättiläinen oli Jean-Georges Noverre, jonka teoksilla ja kirjoituksilla dramaattinen baletti tai baletti-toiminta vietettiin juhlia. Tähän baletti sisälsi mimeä ja akateemisia tansseja, jotka ilmaisivat tanssin kertomuksen ja histrionisen kontekstin avulla. Noverren ja hänen nykyaikaisen Gasparo Angiolinin jälkeen muut kehittivät tätä suuntausta eri tavoin - etenkin Jean Dauberval nykyaikaisen maalaismaiseman realistisessa kuvauksessa, Charles Didelot siirtyessä kohti romanttista näyttämö illuusioa ja fantasiaa sekä Salvatore Viganò ryhmän dramaattisessa käytössä (choreodramma) ja traagisen eleen luonnollisuus.

Romanttisen liikkeen koreografit käyttivät balettia, sellaisen mestarin kuin Carlo Blasis, kodifioimana, pääasiassa Noverren päivän balettitoiminnan teatterimuodoissa tai oopperan divertissementeissä (balettivälit). Balerina, hänen roolinsa korostaneen äskettäin keksimällä pointeworkilla (tasapainon sijainti äärimmäisellä varvaskärjellä), ja naispuolinen corps de ballet saivat molemmat uutta näkyvyyttä. Koreografit, jotka parhaiten kehittivät teatterin tanssikertomuksen taidetta, olivat August Bournonville Kööpenhaminassa; Jules Perrot, etenkin Lontoossa ja Pietarissa; ja Marius Petipa, joka Pietarissa nosti näyttävän klassisen balettitoiminnan huipulleen muun muassa The Sleeping Beauty -teoksissa, joissa klassisen tanssin laajennetut ja monimutkaiset sviitit toivat juoni runollisen ja metaforisen ilmaisun.

Varhainen moderni tanssi Yhdysvalloissa toi liikkeelle ja ilmaisulle uusia elementtejä; ja baletissa Michel Fokinen teos korosti enemmän naturalistisia tyylejä ja voimakkaampaa teatterikuvaa kuin Petipan balettiklassismi. Siitä lähtien koreografiset muodot ovat vaihdelleet esitys- ja abstraktiopylväiden välillä.

1900-luvun tanssimerkinnät koskivat sekä perusliikettä että muodollista tanssia, ja sitä avustettiin uusien abstraktien symbolien järjestelmien keksinnällä - Rudolf von Labanin ja Rudolf Beneshin järjestelmät olivat vaikutusvaltaisimmat. Labanotaatio osoitti ensimmäisenä liikkeen keston, sujuvuuden tai voimakkuuden. Nykyään nämä järjestelmät ja muut kehittyvät edelleen nopeasti, ja niitä vahvistetaan elokuvilla ja videonauhoilla.

Koreografia kehittyi yhtä nopeasti. Sävellystymistavat vaihtelevat radikaalisti - jotkut koreografit käyttävät tanssijoiden improvisaatioita raaka-aineena, toiset suunnittelevat jokaisen liikkeen ennen harjoitusta. Merce Cunningham muutti radikaalisti koreografian kontekstia suhtautumisessaan musiikkiin ja sisustukseen sattumanvaraisena (pikemminkin yhteistyöhaluisena tai tukevana) tanssissa, sattumanvaraisissa menetelmissä tanssin sävellyksessä ja organisoinnissa sekä käyttäessään ei-teatraattista esitystilaa. Hänestä, George Balanchine ja Sir Frederick Ashtonista tuli klassisen tai abstraktin tanssin johtavia eksponentteja; mutta kaksi viimeksi mainittua - kuten Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins ja muut - tuottivat myös merkittäviä koreografian edustavia teoksia. Ainoat koreografian absoluuttiset säännöt ovat nykyään, että sen tulisi määrätä tanssille puhtaan improvisaation tason ulkopuolella ja että sen tulisi muotoilla tanssi avaruuden kolmiulotteisesti ja ajan neljännessä ulottuvuudessa samoin kuin ihmisen potentiaalin mukaan elin.